Como pintar Mexicas o Aztecas II
Feb2
Segunda parte sobre el ejercito Mexica (click aqui para ver la primera). En este caso, la entrada se centra en los sacerdotes y la heraldica.
Sacerdocio
Tan solo los nobles, educados en los calmecac, podían convertirse en sacerdotes. Los sacerdotes también participaban en la guerra, ya que al igual que el resto de la sociedad Mexica, su rango social venia dado por sus hazañas bélicas. Además, quien mejor que los propios sacerdotes para servir y homenajear a sus dioses (mediante el sacrificio de sus enemigos), objetivo principal de la guerra. Se distinguían claramente por su estilo de pelo y al llevar pintada la cara con manchas rojas o negras, rayas verticales u horizontales.
Cuando se encargaban de tareas religiosas, en los templos, vestían una simple pieza de algodón atada por la parte delantera, llamada xicolli. Sin embargo, cuando iban a la guerra se vestían con prendas tan vistosas como las que lucían los guerreros. Según el Códice Mendoza habría 6 niveles militares diferentes para jóvenes hombres destinados a convertirse en sacerdotes (Tlamacaztequihua). Así:
-Un enemigo capturado: novicio, vestido con un simple ichcahuipilli (armadura de algodón).
-Dos enemigos capturados: recibían un tlahuiztli blanco y un ornamento negro, relacionado con la diosa Tlazolteotl .
-Tres enemigos capturados: recibían un tlahuiztli verde y un estandarte de rayas rojas y blancas, coronado por un penacho de plumas verdes de quetzal.
-Cuatro enemigos capturados: recibían un uniforme Huaxteca, que consistía en un tlahuiztli y gorro cónico de color blanco y negro. Los colores representarían la constelación de estrellas: puntos y remolinos. Su escudo también seguiría este diseño.
-Cinco enemigos capturados: recibían un tlahuiztli rojo y un estandarte con forma de abanico hecho de plumas rojas de guacamayo, llamado momoyactli.
-Seis enemigos capturados: recibían un uniforme de coyote, que consistía en un tlahuizli amarillo o rojo y un casco con forma de cabeza de coyote.
Escudos
Según Pedro de Aguado, en su obra Historia de Santa María y el Nuevo Reino de Granada (634-635pps):
“Los indios usan unos escudos o paveses de cuero de ante seco y tieso, que es gran anparo y defensa y muy ligero. Estos escudos traian los yndios colgados al pesqueço y quando peleaban y xugavan de sus lanças los echavan delante para anparo de las barigas, y cuando se retiraban o huían, cosa muy común y nada vergonzosa para ellos, se los echavan muy ligeramente a las espaldas, colgadas del pesqueço como los tenían y asi se huian, yendo adargados y arodelados por detras, que les era harto remedio para no recibir mucho daño de los que y van en su alcance”.
El escudo más típico era una rodela, llamada chimalli. Se trata de un escudo redondo de unos 80cm de diámetro, hecho de cuero endurecido sobre una base de cañas y fibras de maguey. Algunos tenían colgando de la parte inferior una falda de cuero o tela con mosaicos de plumas, con símbolos o diseños heráldicos. Tanto el material como la ornamentación dependían del rango social del portador del escudo. Así, los nobles podrían llevar un chimalli de madera y vistosamente decorado, frente a un plebeyo que llevaría un chimalli simple, sin falda ni adornos.
También usaban otro escudo más grande, a modo de pavés. Estos escudos cubrían todo el cuerpo del guerrero y se llevaban enrollados, extendiéndolos cuando lo requería el combate. Estaban hechos de cuero endurecido y eran muy útiles contra las ballestas. También estaban decorados con símbolos y heráldica méxica, hecha con pintura o plumas.
Bernal Díaz del Castillo, los describe así:
“Eran como paveses que son de arte que las pueden arrollar arriba cuando no pelean porque no les estorba, y al tiempo de pelear, cuando son menester, los dejan caer, e quedan cubiertos sus cuerpos de arriba abajo”.
Los diseños de los escudos Mexica eran bastante variados, dependiendo del rango social/militar, el origen del guerrero, etc. La mayoría de los escudos usados por los méxicas, por no decir todos, procedían de los tributos entregados por sus vasallos. A continuación pongo algunos de ellos (según los códices conservados, donde destaca el códice Mendoza). Los nombres del diseño en náhuatl también pueden ir seguidos de la palabra –chimalli (escudo).
»Diseño quexyo o quetzalcuexyo: el más común entre los méxicas y tlaxcaltecas. Se caracteriza por llevar medias lunas de oro (amarillo) y varias bandas curvadas horizontales en amarillo, verde, rojo y azul. El borde generalmente era amarillo y el centro rojo o verde. Una variante, relacionada con el agua, tenía ambas partes blancas y las medias lunas azules. Otra variante no presentaba medias lunas, si no líneas curvas verticales y líneas negras paralelas (zarpazos de águila).
» Diseño huaxteca o cuextecatl: al igual que el uniforme que lleva el mismo nombre, este diseño corresponde al pueblo sometido de los Huaxtecas. Consiste en un triangulo central con dos o tres líneas paralelas a cada lado, representando zarpazos de un águila. El color era rojo o azul.
» Diseño texaxacalo: diseño de demonio sonriente. Bastante común y también usado por los tlaxcaltecas. Representa un demonio sonriente con una boca y dos ojos, en variedad de colores. Otros diseños similares se basaban en círculos y líneas.
» Diseño xicalcoliuhqui o quetzalxicalcoliuhqui: diseño de greca rodante o escalonada, bastante común. Representa el movimiento de una serpiente de fuego, el viento y las olas. Estaba hecho con plumas de quetzal o papagayo y era característico de la sociedad de los guerreros rapados (cuachiqueh). También era usado por los tlaxcaltecas. Generalmente eran amarillos sobre fondo verde, y había algunas variantes en cuanto al diseño.
» Diseño de quetzalcoatl: diseño de “serpiente emplumada” (quetzalcoal). Característico de sacerdotes que habían capturado al menos cuatro prisioneros. El diseño generalmente era en blanco y negro, pudiendo tener puntos blancos en la parte negra. Representaba la constelación de estrellas: puntos y remolinos.
» Diseño norteño: escudo característico del norte del imperio méxica. Su diseño consiste en dos grupos de líneas paralelas a cada mitad del escudo, cada grupo a distinta altura y solapando en el centro. Los colores eran muy variados, incluso unos tenían cada raya de un color (propio de los sacerdotes que han capturado tres prisioneros).
» Diseño cuauhtepepongo: únicamente encontrado asociado al traje llamado papalotl. El escudo presenta una garra de águila, que simboliza la captura del corazón del hombre por los dioses del cielo. El fondo era rojo y blanco, con la garra en amarillo.
» Diseño hihuiteteyo: característico de los sacerdotes que han capturado dos prisioneros. Consiste en varios círculos blancos sobre fondo amarillo, con reborde también blanco. También era usado por tlaxcaltecas. Una variante, propia de capitanes y llamada zitlallochimalli, contaba con nueve círculos.
» Diseño simple: escudo sencillo, propio de plebeyos. Generalmente de color amarillo con rebordes variados: rojo, azul o blanco. También podrían tener uno o varios círculos concéntricos.
Desgastes: técnicas adicionales
Nov0
En varios artículos he comentado como conseguir un aspecto desgastado y sucio en los vehículos, para darles mayor realismo. Esto se conseguía a través del uso de tintas, filtros, y en menor medida, pigmentos. En las siguientes líneas voy a tratar un par de técnicas adicionales que podemos utilizar para potenciar este efecto o para buscar otros. Las miniaturas que ilustran el artículo son Walkers en 15mm de Dream Pod 9 (DP9).
» Perfilados: en escalas pequeñas, especialmente el 15mm, es importante ganar contraste en la figura, para aumentar su vistosidad y darle relieve. Una forma bastante eficiente es resaltar las aristas de todas las zonas del vehículo, mediante el perfilado de un color claro (blanco, crema, etc). Este color claro dependerá del tono de camuflaje o color base utilizado. Por ejemplo, el color crema que se aplicaría a un Panzer IV alemán no correspondería a un Sherman americano, puesto que el tono crema desentonaría el tono verde. Por el contrario, se podría utilizar el color blanco, que aunque más claro e intenso, se trata de un color neutro que va con todos los colores, sin desentonar. En cualquier caso, siempre se puede utilizar un tono blanco oscurecido con el color base del vehículo en cuestión.
Para aplicarlo, no se utiliza el pincel de una manera convencional, si no que se pinta utilizando el “canto” del pincel, esto es, el lateral, no la punta. Esto se debe a que al pintar las aristas, estas serán rectas, y es más fácil pintarlas apoyando el canto del pincel que ir con la punta poco a poco pintando la línea (el pulso es muy traicionero!). No obstante, este truco no nos servirá para pintar todas las zonas del vehículo, pues aquellas que sean inaccesibles al canto del pincel (ej. una trampilla en el techo del vehículo) requerirán de nuestra maestría con el pincel. En cualquier caso, es muy importante que la línea sea FINA y UNIFORME, pues en caso contrario obtendríamos un efecto sucio que restaría realismo a lo que realmente buscamos (aunque busquemos un acabado desgastado, si este queda muy sucio, distorsiona el efecto).
El perfilado que hagamos puede ser de dos tipos: continuo o discontinuo, es decir, perfilados en un solo trazo o alternante. El primer caso sería para vehículos “nuevos” (personalmente, me parece poco realista), y el segundo caso seria para vehículos desgastados, pues al aplicar el perfilado de forma discontinua contribuimos a esa sensación generalizada de desgaste. Si aplicamos el discontinuo, también hay que tener en cuenta de no sobrecargar el vehículo: con unos pocos trazos por cada zona bastará, sobre todo, en las zonas más proclives al desgaste.
Esta nueva fase que incorporamos a nuestra receta para pintar vehículos desgastados iría a continuación de aplicar los desconchones y el oxido, pues si se hace antes, podríamos estropearlo. Sería el último paso antes de pasar a las técnicas convencionales para pintar los detalles, como las cajas, artilleros, etc.
» Pigmentos: aunque alguna vez he mencionado esta técnica, nunca he profundizado demasiado. Hay dos formas de utilizar los pigmentos: en polvo o diluidos. En el primer caso se utilizarían para conseguir efectos muy determinados (ej. negro a consecuencia de humo) y en el segundo caso, equivaldría a un filtro (aunque al secarse, se obtendrían zonas “terrosas”, distintas de las difuminadas obtenidas con óleos). También hay modelistas que utilizan una mezcla de pigmento marrón, cola blanca y arena fina para recrear barro de una manera muy realista. En mi caso, me limito a utilizarlos como si fuesen polvo. Por ejemplo, en el caso de los escapes de los motores y bocas de los cañones utilizo Black Smoke (MIG) y en las ruedas de los vehículos Russian Earth o European Earth (MIG). En el caso del negro, se busca que cubra una superficie en general, por lo que se aplica generosamente. Sin embargo, en el caso de las ruedas, se busca que el polvo se inserte en el dibujo del neumático (como en la realidad), mientras que la parte externa queda más limpia. Esto se consigue aplicando el pigmento con delicadeza en los intersticios, y eliminando el exceso con cuidado.
» Aumento de la intensidad de los colores: realmente no es una técnica distinta, si no potenciar una previa. Con esto se busca ganar aún más vistosidad en la figura. En mi caso, el problema que se me planteaba era que al utilizar filtros, se me homogeneizaba tanto todos los colores, que se “perdía” el color del camuflaje, incluso quedando prácticamente enmascarado con la suciedad posterior. La solución fue aumentar la intensidad de los colores, por ejemplo, aplicando más rojo en el Marrón Chocolate o más verde/amarillo en el Verde Oliva. Es importante que estas mezclas se hagan en un recipiente a parte del bote original del color base, pues si nos pasamos, podemos estropearlo entero. Es aconsejable hacer varias pruebas con el nuevo tono antes de pintar nuestro vehículo, hasta obtener un tono que nos guste.
Así mismo, al crear estos tonos más intensos hay recordar que después aplicaremos lavados, filtros, pigmentos, etc. Es decir, después se oscurecerán o apagarán bastante, por lo que aunque el tono inicial nos parezca exagerado, posiblemente después quede perfecto. Obviamente esto no es fácil y habrá que ir haciendo pruebas.
Cómo pintar caras y manos en 15mm
Oct0
Como antaño hice para caras en miniaturas de 28mm , en las siguientes líneas voy a tratar de explicar cómo pintar caras y manos en miniaturas de 15mm. En primer lugar, comentar que existen infinidad de estilos para pintar la carne a esta escala, y el mío no es mejor, ni peor. Simplemente es “mío”. Es decir, lo ideal es probar varios estilos, y no ya solo elegir el que más nos guste, si no crear el nuestro propio a base de experimentar y probar distintas técnicas.
Como es lógico, no es lo mismo pintar 15mm, que 28mm, principalmente por el tamaño de las superficies que tendremos que pintar. Por tanto, el trabajo de degradado que se hace en 28mm conviene dejarlo a parte, pues a esta escala es complicado hacerlo, y posiblemente después no se aprecie. Como ya dije en el tutorial de los camuflajes en 15mm, a esta escala lo que hay que buscar es CONTRASTE, para que la miniatura llame la atención a pesar de su pequeño tamaño. En mi caso, para conseguir este contraste en la piel me baso en tres cosas: el uso de un color marrón oscuro como base, como el Marrón mate (984, Vallejo), la pintura “por zonas” de la carne y la aplicación de luces elevadas (con bastante blanco). Así pues, comencemos:
En primer lugar, se pinta toda la superficie que vaya a ir en carne con Marrón Mate (recordemos que en 28mm no partíamos de un color tan oscuro, si no de una mezcla de Marrón Mate + Marrón Naranja). Hay gente que utiliza negro en lugar de un marrón oscuro. En mi opinión, el negro crea un gran contraste, si, pero es poco realista, pues el tono carne es marrón, y sus sombras deben ser marrones.
Después se pinta la carne con un tono intermedio (entre el marrón y el carne), como el Marrón Naranja (981, Vallejo). Este color, además de servirnos de tono intermedio, para facilitar la aplicación de un color claro (carne) sobre otro oscuro (marrón), nos servirá como unas sombras suaves de la carne. Es decir, los colores posteriores que se apliquen respetarán alguna zona profunda en este color, como por ejemplo los rebordes de la nariz, la parte inferior de los mofletes, parte superior del “envés” de la mano, etc. Creando así un efecto de sombra. La forma de aplicar este color será “por zonas”: se pinta de manera individual cada zona de la carne, dejando como separación un trazo en Marrón Mate. Como ya hice en el tutorial de 28mm, he preparado una imagen donde se distinguen estas zonas a pintar, en color rojo. Las zonas sin remarcar en rojo serían las que irían en Marrón Mate, incluidas las dos zonas azules, que representan los ojos. Es decir, en las manos se pintaría: el “envés” y cada dedo; mientras que en la cara pintaríamos: mofletes, nariz, boca, y cejas (si las tiene). Si nos pasamos, siempre podemos repasar.
Tras este tono intermedio, ya aplicamos el color carne como tal. Este color carne será una mezcla de Marrón Naranja + Carne Mate (955, Vallejo) a partes iguales. Este tono lo aplicaremos generosamente por todas las partes de carne que hayamos pintado con Marrón Naranja, pudiendo respetar alguna para que haga de sombra suave (como comente antes).
Después ya vendrían las luces. Para conseguirlas se añade Blanco Mate a la mezcla anterior. Cuanto más intensa queramos que sea la luz, más blanco habrá que echar. Normalmente, con un par de subidas basta, pero todo depende de cómo nos quede y lo que busquemos. En cualquier caso, estas luces irán aplicadas exclusivamente a las zonas más prominentes, como la punta de la nariz, punta de los dedos, parte superior de los mofletes, etc. A cada nueva subida de luz, su aérea de aplicación de verá reducida, hasta la última subida, que debería ser un mero puntito.
Cómo decorar peanas en 15mm
Sep9
Las peanas son uno de los puntos más importantes en las miniaturas a esta escala, pues unas miniaturas muy bien pintadas, pero con peanas mediocres, pierden bastante calidad. A continuación voy a tratar de comentar cómo conseguir un par de detalles para lograr mejorarar nuestras peanas.
» Arbustos más realistas: en mis manos tengo gran cantidad de variedades de césped, musgos, “grass tufts”, esponjas, etc. para decorar las peanas. Sin embargo, el efecto que conseguía hasta ahora era bastante artificial, sobre todo al usar las esponjitas.
Hace poco navegando por internet encontré una idea bastante interesante: utilizar la esponja mezclada con pintura y cola blanca. Lo bueno de esta “técnica” es que permite adaptar la esponjita (o arbusto) a la superficie que queramos y, ante todo, ganamos mucho volumen. Cuando utilizamos la esponjita sin más, nos queda un arbusto plano (solo se pega una capa de esponjita a la cola blanca), sin embargo, al utilizar todos los cachitos de esponja con cola blanca, se pegan unos sobre otros, con lo que ganamos altura y grosor. Así mismo, si por ejemplo queremos utilizar la esponja para que aparezca rodeando un objeto (como un tronco o un saco terrero), al utilizar la esponja “diluida”, es decir, con una textura bastante moldeable, será un trabajo muy sencillo. Otra ventaja de esta técnica es la pintura, pues al ir aún liquida junto a la esponja, se pinta también la superficie donde irá el arbusto, y como va diluida, difunde y crea un efecto degradado, y por tanto más realista.
Así, los ingredientes que utilizaremos será esponja de grano fino (da igual el color), cola blanca y pinturas. Las pinturas dependerán del color que busquemos, para lo cual también hay que tener en cuenta el color de la esponja. En mi caso, partiendo de esponja verde oscuro quería conseguir un color verde oliva tirando a amarillo, por lo que he utilizado como pintura Verde Refractario (890, Vallejo) + Amarillo Limón (952, Vallejo). Para ganar viscosidad a esta mezcla habrá que añadirle agua (siendo generoso, pero sin pasarse). Después, con ayuda de un pincel mezclamos todos los ingredientes, obteniendo una masa bastante viscosa y fácil de manejar.
Con un pincel (utilizando tanto las cerdas, como el extremo romo posterior) primero cogemos un poco de “arbusto” y lo llevamos a la zona de la peana que deseemos. Después, ayudándonos con el extremo romo lo aplastamos, le damos forma o lo colocamos correctamente en el sitio que queramos. En mi caso, he encontrado tremendamente útil esta técnica para decorar sacos terreros y troncos caídos, e incluso hacer enredaderas, pues con esta mezcla era capaz de cubrir fácilmente los huecos que había de por medio, y con bastante grosor.
En mi mente inicialmente estaba la idea de utilizar esta técnica para meter arbustos con flores o frutos (utilizando cachos de esponjita de distintos colores). Sin embargo, no llegue a hacerlo pues no encontraba entre mi “reserva” esponja de color blanco, que era el color que buscaba. En cualquier caso, NO hay que abusar de esponja de colores, pues las peanas pueden quedar muy surrealistas. Los colores ideales serían blanco o rojo, pues son bastante neutros “vegetalmente hablando”. Si usamos azul, violeta, amarillo, etc puede destacar demasiado respecto a los tonos de la miniatura, lo cual en mi opinión sería negativo, pues significa restar vistosidad a la figura.
» Casquillos: el efecto de los casquillos de bala da muchísima vida a las peanas, pues es un detalle bastante realista, aunque difícil de conseguir a esta escala. Anteriormente utilizaba masilla verde para hacer estos casquillos. Sin embargo, la irregularidad en el tamaño y forma restaba bastante realismo, además de que al pintarlos se fusionaba el casquillo con la superficie en la que se encontraba, restando relieve, y por tanto, realismo. Después me plantee usar varillas de cobre o latón, pero para esta escala se necesita un grosor muy fino, lo cual es difícil de conseguir (de hecho, el más pequeño que encontré tenía un tamaño de 0.45mm).
El otro día, mientras hacía unas antenas para unos carros se me ocurrió probar una cosa: utilizar pelos de escoba pintados de dorado para representar estos casquillos. Lo bueno de esta solución es que el grosor es perfecto y al no tener que pintar los casquillos una vez pegados se gana bastante realismo. La única pega es manejar y pegar unas piezas muy pequeñas.
Por tanto, lo primero que hay que hacer es cortar un par de pelos de una escoba de cerdas de plástico (en los chinos las tienen muy baratas). Después habrá que pintarlas de color dorado. Yo he utilizado Oro Bruñido de Citadel, pues me parece el color más apropiado para los casquillos. Una vez pintados habrá que ir troceando estas “varillas” al tamaño apropiado y con cuidado de no perder los trozos cortados. En el caso de la foto, al tratarse casquillos de munición antiaérea de 3.7cm he cortado los casquillos con una longitud de unos 2.5mm. En el caso de casquillos de HMG serían de 1.5mm (el grosor no importaría tanto, pues al ser tan pequeño, ¡da el pego!).
Y finalmente llega la parte más complicada: pegar los casquillos. Yo he utilizado unas pinzas para ayudarme a manejarlos, y utilizando la mínima cantidad de cianocrilato posible he ido colocando los casquillos sobre la base del antiaéreo. La posición de los casquillos es muy importante, pues de ello depende que ganemos mayor o menor realismo. Lo ideal es colocarlos al azar, pero como esto es complicado (cosas del subconsciente), yo opte por colocarlos sin repetir posiciones (aunque si parecidas), incluso unos encima de otros. La cantidad de casquillos va gusto de cada cual.
En el caso de que nos hayamos pasado con el cianocrilato y hayamos manchado la superficie (y esta quede brillante), podemos solucionarlo utilizando un barniz mate. Además, podemos utilizar alguna tinta marrón para darle sombra (y por tanto realismo) a los casquillos. Aunque hay que tener cuidado de no pasarse, que podemos perder el relieve.
Cómo pintar camuflajes en 15mm
Jul4
Conseguir plasmar camuflajes en miniaturas no siempre es fácil, pero desde luego no es lo mismo hacerlo en 15mm que en 28mm u otras escalas mayores. Los camuflajes en 15mm tienen unos criterios muchas veces opuestos a los que se usarían a escalas mayores, y todo se debe al tamaño con el que trabajamos.
En mi opinión, a esta escala es muy importante la pulcritud del camuflaje. La elaboración de un camuflaje con demasiados colores o formas puede originar un batiburrillo de manchas difícilmente identificable como un camuflaje original, lo que le resta realismo a la miniatura. Es decir, hay que procurar hacer el camuflaje lo más definido posible, usando los tonos mínimamente indispensables (por ej. en este artículo indico como pintar un par de camuflajes con tan solo 3 ó 4 tonos).
Por otro lado, también hay que destacar el contraste. A esta escala el contraste lo es todo, ya que compensa la posible falta de detalles, y ante todo, ayuda a conseguir esa pulcritud de la que hablaba antes. El dejar perfiladas las manchas de un camuflaje ayuda a que estas destaquen sobre el resto, al igual que las luces en las mismas. En otras escalas este punto no sería tan importante, ya que lo que ganamos en contraste, lo perdemos en homogeneidad. Es decir, si en 28mm u otras escalas mayores abusamos mucho del contraste vamos a encontrarnos con un camuflaje que va a parecer hecho de pegotes de distintos colores, y no todo como un mismo conjunto (que al fin y al cabo, es lo que busca un camuflaje…).
Para ejemplificar todo esto, voy a comentar como pintar un par de camuflajes alemanes bastante conocidos:
» Palmenmuster (1941-1944): u hoja de palma. Uno de los típicos camuflajes de las Waffen-SS (ampliamente usado en la campaña de las Ardenas). Era reversible: por un lado a base de verdes y por el otro a base de marrones, en ambos casos con diseños relacionados con palmeras y sus colores. Las chaquetas (smocks) con este camuflaje eran conocidas por los soldados como “tiger shirts”, debido al efecto rayado. Casi exclusivamente se utilizaba en chaquetas, aunque hay algunas evidencias en cubrecascos. En este artículo explicaré el marrón.
Utilizaremos tres marrones: Sombra Tostada (941, Model Color), Marrón Naranja (981, Model Color) y US Field Drab (873, Model Color). No se utiliza ninguno de los tres como color base global, si no que en todos los casos iremos haciendo manchas. Yo empiezo con el sombra tostada, haciendo “nubecitas” separadas por caminitos. Estos caminitos los relleno y agrando con otras “nubecitas” de US field frab. Es decir, con estos dos colores cubro toda la superficie. Finalmente, con el marrón naranja hago nuevas “nubecitas” en posiciones aleatorias entre los otros dos marrones. Las manchas de este color serán bastante menos que el resto.
Tras pintar y definir todas las manchas procedo a iluminarlas. No se trata de iluminar la mancha en sí, si no de iluminar a la vez las zonas más prominentes. Es decir, se ilumina teniendo el concepto de siempre: se busca el relieve. Para iluminar estos colores, yo utilizo Blanco Mate para el marrón naranja y US field drab. Para el sombra tostada utilizo un marrón clarito (como el Uniforme Ingles), ya que con blanco quedaría demasiado grisáceo.
El siguiente paso es pintar los detallitos. Yo empiezo primero por los detalles con sombra tostada. Utilizo este color mate, no iluminado, ya que interesa que haya contraste (en el caso del marrón naranja lo uso un poco iluminado, ya que si no desentona). Se trata de hacer rayitas sobre los otros dos marrones, preferiblemente partiendo de una mancha de sombra tostada. Las rayitas suelo pintarlas en grupos de dos o tres, ya que más da sensación de suciedad a esta escala. También se pintan redondelitos aleatoriamente, que después serán rellenados con marrón naranja. Con éste otro marrón se hacen también rayitas, pero en menos sitios y algunos redondelitos sobre las manchas de sombra tostada.
» Splinter (1931-1945): el camuflaje más característico y representativo del ejercido alemán de la segunda guerra mundial. El término alemán original para este diseño era Buntfarbenaufdruck. Apareció por vez primera en 1932 en el zeltbahn (poncho/tienda de campaña), y se extendió a distintas partes del uniforme de todos los cuerpos del ejército alemán hasta el final de la guerra (actualmente algunos países siguen teniendo este diseño en sus uniformes). Consistía en manchas verdes y marrones sobre un fondo verde/gris o gris/tostado, todo cubierto de un diseño de “gotas de lluvia” en un verde oscuro. El diseño utilizado por los Fallschirmjäger (paracaidistas alemanes) era una variante conocida como splinter B.
A lo largo de la vida de mi blog he comentado en unas cuantas ocasiones como conseguir este camuflaje. Aun así, voy a repetirlo una vez más, aprovechando que ahora cuenta con imágenes que acompañan a la explicación.
Lo primero que se hace es pintar toda la superficie con el color base (en el caso anterior solo hacíamos manchas, nunca se pintaba toda la superficie con un único color). Yo he usado varios tonos, y el que más me gusta es el Us Field Drab y el Uniforme Ingles. En ambos casos, se ilumina añadiendo blanco al color base. Al final, conviene resaltar bien las sombras con el color base (incluso con otro marrón más oscuro, como Sombra Tostada), ya que al ser un camuflaje nos interesa que todas las sombras estén bien marcadas y contrastadas, para que resalte más.
Después, comienzo a dar el primer color de camuflaje. Siempre empiezo por el Marrón Mate, realmente por costumbre. Hay que tener en cuenta que a esta escala es harto complicado conseguir plasmar las formas de este camuflaje, no tanto por el tamaño de la miniatura, si no por la superficie disponible para pintar. Generalmente en estas minis contamos con una superficie lisa muy limitada, y si en una zona llena de curvas o distintos niveles nos ponemos a crear este camuflaje de manera original, nos puede dar un resultado bastante sucio.
Con esto, lo que yo hago es crear pequeñas formas basadas en triángulos. Siempre acaban en extremos en punta, nunca romos. Normalmente hago primero un triangulo grandecito, y en un costado le hago otro triangulito orientado en otra dirección. Después, empiezo a combinar con cuadrados (para no repetir siempre la misma forma). Después, hago lo mismo con el segundo color del camuflaje: el Verde Refractario. Estas nuevas manchas SIEMPRE estarán pegadas por algún lado a otras manchas marrones. Es decir, siempre pintaremos grupos de manchas de ambos colores, no aisladas.
Después ilumino ambas manchas: el Marrón Mate aplicando directamente Marrón Beige (875, Vallejo) y el Verde Refractario añadiendo Amarillo Desierto (873, Vallejo) al color base. Las luces irán en la zona central de cada manchita, dejando un reborde a modo de perfilado.
Para terminar, se pintan delgadas líneas con Verde Militar (975, Vallejo) para representar las “gotas de lluvia”. El camuflaje original consiste en infinidad de estas líneas a lo largo de todo el camuflaje. Sin embargo, hacer esto a esta escala seria ensuciar muchísimo la figura. Lo que yo hago es hacer pequeños grupitos de 3 ó 4 líneas sobre el fondo clarito (del Us field drab).
Videotutorial: pintar tanques con aerografo
Jul0
Hace tiempo que llevaba dándole vueltas a la idea de preparar un video de pintura, y tras acabar por fin los exámenes de Junio me he visto con las suficientes ganas de grabarlo y después editarlo. Es la primera vez que hago un video, así que espero que sirva de base para ir mejorando (cualquier sugerencia es bienvenida). Al principio me atraía poco la idea, porque creía que apenas se iba a ver (al ser de escala 15mm), pero al final no ha sido así, y se ve aceptablemente. Espero hacer nuevos videos corrigiendo los fallos (sobre todo de encuadre y enfoque). Es recomendable verlo en HD (high quality), opcion que aparece en la parte inferior derecha. El video:
Los pasos que se ven en el video son:
-Pintado con aerógrafo: tras imprimarlo en negro se prepara la pintura. Yo generalmente uso Gunze o Tamiya y las diluyo usando un thinner de Tamiya o algo bastante más barato: agua + etanol. La proporción varía según lo que queramos conseguir, aunque siempre va a ser bastante diluida, con un mínimo del 50% del agente diluyente. Por ejemplo, para la capa base suelo usar la pintura un poco más espesa que si la utilizo para aplicar manchitas de camuflaje.
El tema de presión es bastante útil, pues regulándolo conseguiremos mayor o menor flujo de aire, y por tanto, líneas más precisas (o lo contrario). Yo tengo siempre calibrado el compresor a 2 bares como presión de salida, y si quiero regular el flujo de aire lo hago con una rosca del aerógrafo, situada bajo la boquilla. El segundo “barómetro” que se ve en la foto corresponde al llenado del depósito (mi compresor, de una pistola de clavos, lo tiene). Mi forma de trabajo consiste en encender el compresor y esperar a que se llene el depósito, hasta que se para automáticamente. Me pongo a trabajar y cada vez que el depósito se vacía hasta la mitad, se dispara automáticamente y vuelve a rellenarse. La verdad es que es bastante cómodo, salvo pro el tema del ruido…
En la foto donde aparece la pistola se ve, junto a la pintura verde oliva, una pintura amarilla. El tanque del video tiene una subida de luz (verde + amarillo), pero en el video que hice no se aprecia absolutamente nada, por lo que prescindí de subirlo. A veces, también le aplico sombras con marrón oscuro / negro, aunque a veces es un poco pérdida de tiempo, pues a esta pequeña escala apenas se nota con los lavados y filtros posteriores.
-Lavados y filtros: estas técnicas ya están bastante comentadas en otras entradas, aun así es importante recordar un par de cosas. Un lavado sirve para resaltar las sombras y crear profundidad, se hace diluyendo la pintura (si es oleo en trementina, si es acrílica en agua, etc) un 60-75% y se aplica con el pincel bien mojadito (sin pasarse eh). El filtro sirve para cambiar ligeramente el tono de una superficie (NO PARA DAR SOMBRAS), se hace diluyendo bastante la pintura hasta un 80-90% y se aplica con el pincel humedecido (el exceso se quita restregándolo sobre un papel). Ambas técnicas no son excluyentes, sino todo lo contrario, compatibles y cuya combinación es bastante recomendable.
-Oxido: para dar mayor realismo es aconsejable meterle oxido a las hendiduras y todo tipo de ranuras del carro. Yo utilizo oleos mezclados con trementina (2:1 aproximadamente) y lo aplico con un pincel fino redondo. Aunque se da generosamente hay que tener cuidado de usar el pincel demasiado cargado…que puede estropear la superficie. Para hacer chorretones es importante tener en cuenta que cuando damos una pincelada, la mayor carga de pintura se deposita al final de la misma. Por tanto, para hacer los chorretones habrá que dar la pincelada de abajo arriba, para que la mayor carga se deposite al inicio de la ranura.
-Desconchones: hasta hace poco desconocía este método, y lo vi en los foros de battlefront…y la verdad es que da buenos resultados, aunque muchas de las veces queda demasiado sucio el vehículo, por lo que hay que tener cuidado.Primero se prepara la pintura: negro + marrón mate bastante diluido en agua (1:1). Después, como herramienta se usa una esponja (de las típicas que te vienen en los blisters). Yo en mi caso la recorto un poco para facilitar el manejo (hay quien corta un cuadradito y lo pega en el extremo del palo de un pincel, y lo usa como tal). Con la esponja tomamos pintura y quitamos el exceso “espolvoreando” o presionando sobre un papel. Es muy importante que no haya mucha, pero tampoco hay que quedarse corto. El punto medio se consigue con la practica (yo aun no lo he conseguido xD).
Una vez listo esto, pasamos al vehículo. Hacemos lo mismo que hacíamos en el papel: “espolvorear” o presionar sobre las aristas, aunque para homogeneizar el resultado también se puede meter algún desperfecto en las superficies lisas.
Para terminar, algunas entradas anteriores sobre el tema:
» Cómo pintar vehiculos con pincel, aerografo y filtros
» Cómo pintar vehiculos con aerografo, tintas y filtros I
» Cómo pintar vehiculos con aerografo, tintas y filtros II
Cómo pintar y coleccionar Aztecas o Méxicas
May5
A continuación trato de explicar como recrear un ejercito Azteca (mas correctamente, Mexica). Lo que expongo es el resumen de toda la informacion recopilada tras consultar varios libros y numerosas fuentes de internet, lo que no quita especulaciones propias.
En el siglo XVI en el ejercito Mexica había dos tipos de integrantes: plebeyos y nobles. Los primeros estarían organizados en divisiones llamadas calpulli (los integrantes de un barrio/grupo social) y los segundos en sociedades de guerreros.
Existían 20 calpultin (plural de calpulli), bajo el mando de un tiachcahuan o un calpolequ. Dentro de cada calpulli habría unidades más pequeñas bajo el mando de un oficial noble del mismo calpulli. Los nobles estarían organizados en sociedades de guerreros profesionales, la elite del ejército mexica. Existian bastantes, aunque destacan las siguientes: Guerreros águila (cuauhpilli), Guerreros jaguar (ocelopipiltin), Guerreros otomies (otomih) y Guerreros rapados (quachicqueh). Esta última seria la sociedad más prestigiosa, siendo tropas de choque y a la cual pertenecian los altos cargos militares. Existian otras órdenes con menos fama, como la del Coyote, Oso y Calavera. Algunos autores afirman que las ordenes del Aguila y del Jaguar eran la misma (cuauhtlocelotl). En estas cofradias también podrían entrar plebeyos, en función de su audacia en la batalla (en cualquier caso, era bastante complicado).
En el mundo belico mexica podemos encontrar dos tipos de guerra:
- Guerras de conquista: la propia palabra lo dice.
- Guerras floridas: cuyo objetivo era la captura de prisioneros para ser sacrificados. Para entender este tipo de guerra hay que tener en cuenta que la escala en la sociedad mexica se basaba en la captura de prisioneros.
En general se pintaban las caras y cuerpos, para aumentar la apariencia de ferocidad del guerrero e intimidar al enemigo. Los cascos (Cuatepoztli), si los llevaban, estaban tallados en madera para asemejarse a animales (jaguar, aguila, coyote, etc), deidades o calaveras humanas, o bien utilizan gorros conicos (propios del uniforme huaxteca).
Como armadura usaban prendas de algodón o fibra de maguey, con un relleno vegetal y de aspecto acolchado, capaz de proteger con bastante eficacia frente a las armas de obsidiana. Su forma, color y tamaño dependería del rango social. Generalmente se trataba de una pieza sin mangas que cubría el torso y el abdomen por encima de las rodillas, de color pardo. Los guerreros de elite (o campeones) llevarían piezas más complejas y de cuerpo entero, llamadas tlahuizli que se cerraban por lazos que se anudaban en la espalda. El color vendría dado en función del número de enemigos capturados:
- Cuando un joven guerrero capturaba su primer enemigo sin ayuda, pasaba a ostentar el rango de Tlamani y se convertia en hombre.
- Dos enemigos capturados: se convertían en Guerreros flecha (Tequihua). Recibían un tlahuizli rojo, azul o amarillo y un gorro cónico llamado capilli, todo marcado con diseños negros (descritos como “zarpazos de águila”). Este uniforme se denominaba huaxteca, pues es herencia del pueblo del mismo nombre, dominado por los mexica.
- Tres enemigos capturados: recibían un tlahuizli verde, blanco o azul, junto a una capa ornamental (checailacacozcatl) y una insignia con forma de mariposa (tlepapalotlahuiztli). Además recibían el titulo de tequihua (veterano).
- Cuatro enemigos capturados: recibía la vestimenta de ocelototec (Jaguar), pasando a formar parte de la cofradia de los Guerreros jaguar (Ocelopipiltin). El tlahuizli podía ser amarillo, rojo, azul o blanco, con lunares semejantes a la piel del jaguar.
- Si capturaba 5 ó 6 enemigos: se convertía en Guerrero Otomi (Otomih). Se decoraban el pelo con adornos rojos y solian usar un estandarte con forma de gota, atado a la espalda. El tlahuizli podía ser rojo, azul o verde.
- Numerosos enemigos capturados: se convertía en Guerrero Rapado (Quachicqueh). Se pintaban la cabeza la mitad azul y la otra roja o amarilla, y llevaban un tlahuizli amarillo. El escudo representa la greca escalonada, generalmente en amarillo sobre verde.
- Para ser oficial era necesario capturar numerosos enemigos, y ademas que éstos fueran procedentes de ciudades importantes. Es decir, importaba la calidad del prisionero. Solo accedían los nobles.
Las armas mexicanas (“prismatic blades”) estarían hechas de madera con fragmentos de obsidiana o cristales volcánicos incrustados y fijados con betún o resina, con las muescas de obsidiana incrustadas a cada lado. Su objetivo sería dejar fuera de combate a un enemigo, no matarlo, pues la idea era capturar prisioneros. Las prinipales armas méxicas fueron:
- Maquahuitl: muy similar a una espada, restringida a los nobles. Las castas bajas llevarían una versión más simple, llamada “macana”, la cual no tendría filo de obsidiana y se trataria mas bien de una porra. Esta macana también podía consistir en un palo con una bola de piedra o madera en su extremo, similar a una maza.
- Tepoztopilli: similar a una lanza, con los fragmentos de obsidiana flanqueando la punta ensanchada de la lanza.
- Quauhololli: mazo a dos manos, pudiendo ser un palo acabado en una gran bola de piedra o madera.
- Huizauhqui: maquahuitl a dos manos (similar a un mandoble).
- Tlauitolli: arco, cuyas flechas tendrian la punta de obsidiana.
- Tematlatl: honda hecha de fibras de maguey.
- Atlatl: lanzadardos o estólica sujeta por dos dedos para lanzar dardos.
Los guerreros mexicas tenían dos tipos de escudos: generalmente usaban rodelas hechas de mimbre o madera, aunque tambien tenían unos escudos similares a paveses, que desenrollaban en el combate. Ambos estaban decorados muy vistosamente con plumas y pinturas, con distintos diseños. La heraldica que nos ha llegado hasta hoy dia es bastante rica (en una futura entrada hablaré detalladametne sobre esto), recogida en los distintos codices conservados. Destaa el codice Mendoza, que recoge los tributos que recibía Tenochtitlan, entre los cuales se encuentran muchos de los escudos y uniformes que posteriormente usarían los guerreros méxica.
Cómo pintar blanco
May2
Según la teoría del color solo existen 3 colores primarios: cyan, magenta y amarillo, y por combinación entre estos se obtiene el resto de colores (rueda de color). En consonancia, el negro seria la suma de todos los colores y el blanco la ausencia total.
Esta definición del blanco puede que sea explicativa, pero es poco práctica. A la hora de pintar miniaturas muchas veces nos puede surgir la duda de: ¿Cómo ilumino el blanco? ¿Cómo lo oscurezco?,
Para contestar a estas preguntas lo mejor que podemos es hacer es observar lo que nos rodea. Por ejemplo, al pensar en blanco me viene a la cabeza la nieve, y en consecuencia los casquetes polares…en estas zona se observa un blanco purísimo, contrastado con zonas grisáceas o azuladas de sombra. Esto mismo es extensible a otras cosas, como ropa blanca, donde se observan sombras de tono amarillento / marrón. Y así un largo etcétera, tan solo tenemos que encontrar una combinación que nos agrade, y a ponerla en práctica!.
Desde mi punto de vista, ambas cosas son viables: iluminar y oscurecer. Pero para esto, además del blanco mate, habrá que usar otro tono más oscuro: un tono crema o un gris claro. Así, partiremos de un tono oscuro (ya sea crema o gris), sobre el cual iremos aplicando nuestras capas de blanco, hasta llegar al blanco puro (que supondrá la “luz”).
Como color oscuro hay varias posibilidades. Si queremos que nuestra pieza a pintar tenga un aspecto usado o viejo habrá que usar un tono crema, por ejemplo Arena iraquí de Vallejo. Si por el contrario, no buscamos recrear una ropa vieja, si no que buscamos un aspecto más sobrio y limpio usaremos un tono grisáceo. En mi caso, suelo usar un tono gris azulado (Azul intermedio, de Vallejo), ya que da mayor solidez al blanco.
Si el color oscuro elegido es demasiado oscuro (es decir, si el contraste con el blanco es demasiado elevado) habrá que aclararlo previamente añadiendo blanco. Esto por ejemplo ocurriría si usamos Azul intermedio como color base. Más adelante comento mas en profundidad este tema.
Una vez tenemos aplicado el color oscuro, comenzamos a aplicar lo que será el futuro blanco. Para ello preparamos al menos dos capas que resalten las sombras, es decir, serán capas generales. Estas capas deberán alcanzar un tono muy cercano al blanco puro (ej. 5-10% Azul intermedio + 90-95% blanco mate). Después iremos iluminando añadiendo blanco, hasta llegar al blanco mate puro.
Para resaltar este trabajo de luces (y sobre todo para repasar posibles fallos) es muy recomendable utilizar directamente el color oscuro para resaltar las sombras. Esto es totalmente obligatorio en el caso de manos, donde habrá que resaltar las sombras que separan los dedos.
¿El blanco cubre muy poco?
Este es uno de los principales problemas que encontramos al pintar con blanco. Si queremos usarlo adecuadamente, sin que deje grumitos, habrá que usarlo bastante diluido, lo que implica que apenas cubra nada (y más aun si normalmente usamos imprimación negra, como el aquí presente). Por tanto, lo ideal, si no obligatorio, es partir de un color intermedio que permita reducir el numero de capas de blanco a dar.
La solución que he encontrado a este problema, con buenos resultados, es utilizar al menos un par de capas intermedias (en relación, a lo anterior comentado). La primera capa será de Azul americano, y sera para cubrir toda la superficie que después ira de blanco. Esta capa NO sirve de sombras, aunque si de perfilados. La siguiente capa intermedia sería una mezcla 2:1 de Blanco + Azul Americano. Esta capa la aplicamos tambien de forma general, a excepción de las zonas que sean de perfilado (donde dejamos el Azul Americano). Finalmente, usamos el blanco sobre esta capa, y con dos o tres pinceladas quedará cubierta.
Si queremos perfilar el blanco sobre blanco, es decir, para separar dos prendas de color blanco, NO se debe utilizar negro, pues el contraste es muy exagerado (aunque a veces es recomendable). Como color de perfilado utilizariamos el Azul Americano. Por ejemplo, para pintar el guante de la foto, la separación entre los dedos se perfila con Azul Americano. Por contra, en la foto de abajo, para separar el chaleco de las distintas correas que le cruzan se utiliazría negro, pues con Azul Americano el resultado seria bastante confuso.
Cómo pintar vehículos con aerógrafo, tintas y filtros II
May6
He descubierto otra nueva técnica (o conjunto de ellas) para pintar carros, cuyos resultados son bastante realistas, aunque se basa en conceptos que ya he utilizado antes. Lo que más destaca es que se trata de ensuciar el carro y darle un aspecto más realista, y no recién salido de una fabrica del Ruhr!. A continuación trato de explicar los pasos que he seguido:
-Airbush: color base con Dark Yellow (tamiya) y cammo con Marrón Chocolate (Tamiya) y Verde Oliva (Tamiya). No le di ningún tipo de luz ni sombra (como si que suelo hacer con otros estilos). A excepción de un oscurecimiento de las aristas de los faldones laterales con una mezcla de Marrón Chocolate y Negro.
-Detalles: a continuación paso a pintar con Negro mate todos los detalles. Esta fase antes siempre la hacía al final, pero aquí no, para aprovechar las futuras sombras del filtro. Con negro pintaría: herramientas, caucho de las rodaduras, cajas, armas, agujeros del cañón, antena, etc.
Con una mezcla de Negro mate + Marrón Mate + Gris Negro + Gris Metalizado (todo a partes iguales, salvo el metalgun, que ira x2), pinto las orugas y MG’s.
También ponemos ya las calcas. Los productos MICRO SOL y MICRO SET vienen muy bien en este caso, debido al zimmerit!.
-Filtro / Wash: esta es una de las innovaciones más importantes. Normalmente uso la dark wash de MIG PRODUCTION, pero solo la aplico en ranuras y recovecos. En este caso, la mezcla va POR TODA LA SUPERFICIE.
Para crear el filtro, mezclo: esencia de trementina (80%) + oleos (20%). Los oleos deben ser oscuros, ya que se trata de dar las sombras. Yo decidí usar una mezcla de negro y marrón quemado.
-Luces: normalmente no doy luces, salvo que la base haya sido dada a pincel. En este caso si que doy luces, pero con OLEOS, no con acrílicos. Mezclo Blanco mate y Ocre, para obtener un color parecido al Dunkelbeg (pero más claro, obviamente).
Con un pincel plano y ancho voy dando una especie de pincel seco por todo el carro, pero con especial cuidado de no estropear las zonas lisas. Sobre todo se trata de remarcar las aristas, y en este caso el zimmerit. Lo bueno de utilizar oleos es que no secan casi al instante, si no que al menos hay que dejarlos 24h. Esto nos beneficiará a la hora de retocar posibles fallos, ya que con solo pasar el dedo quitaremos la pintura (usar guantes, recomendado!).
-Desconchones: esto nunca antes lo había utilizado, y bendita hora…da unos resultados espectaculares!. La herramienta que usaremos será…una ESPONJA, especialmente la que te viene en los blísteres, ya que el grado de porosidad es bastante adecuado.
Preparamos una mezcla de: Negro mate + Marrón mate (proporción 2/1), y añadimos bastante agua (NO ES UNA TINTA, así que ojito con la cantidad de agua). Con nuestra esponjita cogemos pintura y escurrimos el exceso en un papel. Después vamos haciendo un movimiento similar al de “espolvorear” sobre todos los bordes / aristas del carro. También podemos hacer trazos como si fuera un pincel para representar arañazos.
Para resaltar estos trazos podemos utilizar un lapicero blanco blando (tipo carboncillo, pero blanco), especialmente en los arañazos. Para ello solamente habría que trazar el mismo recorrido que la pintura con el pincel, pero por un borde del desconchón.
-Oxido: en este punto la cague, ya que en lugar de usar oleos decidí usar acrílicos…pero de los errores se aprende!. En mi caso, mezcle Tinta marrón (Citadel) + Marrón mate + Negro mate, y añadí 2 partes de agua (en este caso, aun mas agua que una tinta, estilo filtro). Y con este filtro me dedicaría a preparar chorretones de oxido: parte ancha arriba y parte estrecha abajo (gravedad…). El problema de los acrílicos es que quedaba más una capa solida que un filtro semitransparente…En otras ocasiones que he usado oleos, los resultados han sido mucho mejores.
-Pigmentos: y para terminar, a jugar con los polvitos. Para el cañón y tubo de escape utilice Black Smoke, para los bajos utilice combinados Russian Earth y Europe Dust (todos de MIG PRODUCTIONS). La verdad es que apenas se notan (salvo el negro), después de la guarreria que ya lleva el carro.
Para darlos, con un pincel grueso (y que no se le tenga mucho cariño), se coge pigmento y se espolvorea / restriega por la zona target.
Conclusión: tengo que encerar un poco mas esta técnica, ya que los resultados son demasiado sucios, sobretodo en el tema del filtro: demasiado oscuro, y con el tema de óxidos: demasiado sólidos. En proximos vehiculos ire tratando de mejorar estos puntos.
Cómo pintar y coleccionar Tercios españoles y Conquistadores
Feb5
La uniformidad en los ejércitos europeos no existiría realmente hasta mediados del siglo XVII. Por tanto, la ropa seria la que se dispusiera a llevar cada soldado. En cualquier caso, en el ejército español habría un color que predominaría sobre el resto: el rojo de Castilla. A mediados del s. XVI se introduce el que será y sigue siendo el símbolo tradicional del ejército español: la Cruz de San Andrés o de borgoña (aspa roja), situada en principalmente en el pecho o espalda.
Dentro de la moda de este siglo, destaca la ropa acuchillada: tela a tiras sobre otra de otro color. Su origen está en los Lansquenetes, que tenían por costumbre aprovechar la ropa de los caídos. Muchas veces las prendas eran demasiado pequeñas, con lo que lo solucionaban pegando tajos para poder ponérselas. Posteriormente estas prendas serían confeccionadas por artesanos. La combinación de colores que resulta da origen a esta “moda”.
Generalmente para la ropa se usarían colores vivos: rojos, amarillos, verdes, etc. Para dar aun más vida a la ropa se pueden incluir diseños a modo de rayas verticales, checked (“ajedreceados”), etc. Algo muy habitual era tener una manga/pierna de un color y otra de otro (en esa época la gente humilde llevaba un patanalon de dos piezas: una por cada pierna que se unían con coordones a la altura de la bragueta).
Para pintar las ropas acuchilladas lo ideal es usar un color oscuro como color posterior, ya que si se hace lo contrario el resultado puede ser “sucio”. Me explico, si se usa un color oscuro las sombras favorecen el perfilado, mientras que si es un color claro el perfilado se va a notar muchísimo, quedando una sensación de suciedad. Por ejemplo, lo ideal (e histórico) es pintar el interior rojo y el exterior amarillo. Para ello con Rojo mate se pinta directamente las líneas internas. Después se perfila con negro (para delimitar las”acuchilladas”). Para terminar, con Tausept ochre o Amarillo dorado pintamos la parte exterior e iluminamos añadiendo blanco.
Entre la indumentaria encontramos:
-Parte superior:
»Camisa: prenda interior, generalmente de color crudo.
»Jubón: prenda que cubre desde los hombros hasta la cintura, por encima de la camisa, que se une a las calzas por agujetas. Encima llevarían un coleto o una ropilla. Podrian estar coloreadas o en color crudo.
»Coleto o casaca: chaleco de piel o cuero, ceñido a la cintura con ayuda de un cinturón. Generalmente con faldones por delante. Famoso sería la bufala, por estar echo de piel de bufalo.
»Ropilla: prenda sobre el jubón ceñida en los hombros, con mangas sueltas que podía estar acuchillada. Los colores serian a gusto del consumidor.
-Parte inferior:
»Calzas: prenda ceñida al cuerpo que cubre desde la cintura hasta los tobillos. Generalmente eran dos piezas (una para cada pierna) unidas por un cordón a través de unos ojales. Destaca el estilo tudesco alemán, con forros sobredimensionados que desbordaban en aberturas verticales. Colores y diseños muy variables.
»Bragueta: bolsa atada con botones sobre la ingle.
»Gregüescos / trusas: calzones abombados y acuchillados que al principio solo llegaban hasta la ingle, pero posteriormente hasta los muslos y rodillas. Generalmente eran gregüescos amarillos acuchillados en rojo, aunque no hay que descartar otras combinaciones.
»Calzado: botas (hasta el tobillo o de caña alta) o zapatos de cuero.
-Armadura:
»Casco: destaca el Morrión español, aunque también se pueden encontrar celadas, borgoñotas, almetes y chapeles. Podía ir o no acompañado de gola para proteger el cuello. En lugar de casco de acero solían usar sombreros de piel o cuero adornados o no con plumas. El tipico morrion con la cresta no es español, si no italiano. El morrion español era identico en la forma, pero en lugar de cresta llevaba un pequeño pico hacia atrás.
»Peto: coraza de acero (coselete) de una o dos piezas (delantera y trasera), cota de malla, chaleco de cuero reforzado con piezas metálicas o el simple coleto.
»Falcetes o escarcelas: “faldas” de acero para proteger los muslos de golpes o estocadas que resbalasen por el peto.
»Brazales, codales y sobrecodales: de acero, para proteger las extremidades superiores.
»Escudo: destaca la rodela que da nombre a los rodeleros (pequeño escudo circular de metal o de cuero con refuerzos metálicos; llamado broquel si era de madera) y la adarga (escudo de cuero con forma de doble elipse o de mariposa, herencia de los almohades). Los colores podrían ser variables (ej. Adarga de rojo y amarillo).
En el sXVI nos encontramos con tres tipos de soldado: piquero (pica de 5,5m), escudado (espadachín) y arcabucero. El escudado o rodelero desaparecería rápidamente y a medida que nos acercamos al s. XVII y XVIII el arma de fuego va sustituyendo progresivamente a la pica.
Según el dinero y la función/posición del soldado en el regimiento las protecciones variaban. Por ejemplo, los coseletes y rodeleros irían equipados con la armadura de tres cuartos (morrión, gola, coraza y falcetes) debido a su arriesgada posición en primera fila. Por contra, las “picas secas” irían con mas cuero que metal, ya que sus posiciones son menos peligrosas en las filas traseras. Los arcabuceros llevarían coleto de piel, puesto que necesitan maniobrabilidad, a lo que hay que sumar los “12 apóstoles” (bandolera con 12 cargas para el arcabuz). Tambien solían llevar morrión, puesto que no les afectaba en sus tareas de recarga y disparo, y la visera era muy útil para combatir el deslumbramiento.
A modo de conclusion, la imagen de un Tercio, de un cuadro de picas, sería: coseletes al frente (con armadura de tres cuartos), picas secas detrás (poca protección o nula) y arcabuceros rodeando al tercio y/o en unidades sueltas (mangas) en los laterales.
Conquistadores
Centrándonos en las expediciones de Hernán Cortés nos encontramos con 3 tipos de tropa de infantería: lancero (lanza de 2m), rodelero y arcabucero. Las lanzas sustituirían a las picas debido a su poca maniobrabilidad en el nuevo mundo y a la inexistencia de caballería en el enemigo. Como arma a distancia cobra gran importania la ballesta, ya que en muchos casos la excasez de pólvora o su estado impedian el uso de armas de fuego.
Las formaciones serian cerradas y compactas. Hay que tener en cuenta que los Conquistadores siempre fueron muy pocos soldados, donde la “masa” del ejercito la componían los aliados amerindios (como los Tlaxcaltecas). La caballería fue una gran baza en muchas de la batalla, debido a su velocidad, maniobrabilidad y ante todo al miedo que provocaban (aunque después desaparecería al matar e incluso capturar algún caballo). Su táctica era causar el mayor desorden posible entre los enemigos, llegando incluso a atravesar de un lado a otro las líneas enemigas.
El número de arcabuceros fue muy reducido, siendo la mayoría rodeleros. Éstos estarían equipados de manera análoga a sus compañeros del viejo mundo, aunque habría que incluir la armadura de algodón acolchada sustraída a sus enemigos (de color crudo o blanco). Además, serian una de las últimas tropas en dejar de usar el escudo, el cual se mostro muy eficaz contra los dardos amerindios.
La caballería que llegaría al nuevo mundo sería Jineta o Jinetes (caballería ligera de gran maniobrabilidad en el campo de batalla, frente a la caballería de estribo típica de cargas medievales). Estarían equipadas con piezas de protección de acero y adarga. La adarga era un escudo de cuero con forma de doble elipse o mariposa, herencia de la caballeria árabe, que se sostenia agarrando con el puño 2 cintas (las rodelas iban ceñidas al brazo y puño). Los primeros caballos que llevó Cortés fueron 16 (la mayoría tordos y bayos), frente a los 90 que participarían en el asedio de Tenochtitlan.
Como artillería llevarían algunas piezas antiguas, como bombardas, junto a algunas más modernas como falconetes o culebrinas. Esta artilleria no solo tendra un uso terrestre, si no tambien acuático: durante el asedio a Tenochtilan intervienen 12 bergantines, a los que se equiparán con un cañon de bronce, salvo la nao capitana, que llevará uno de hierro. Estas embarcaciones tenían el fondo plano, uno o dos mástiles y una capacidad de transporte de unos 25-30 hombres, con un aspecto muy similar a los barcos romanos.
